Claude Monet은 1914 년부터 1917 년까지 “Irises”라는 그림을 그렸다. 그는 저명한 인상파 인 풍경의 진정한 주인이었습니다. 그는 종종 야외에서 일하러 갔고, 대부분의 작품은 활발한 환경에서 만들어졌습니다. 작가는 자연 속에서의 작업이 생기와 역 동성의 그림을 더한다는 견해를 가지고있었습니다. 워크숍에 앉아있는 동안 그 내용을 쓰면 많은 중요한 세부 사항을 놓칠 수 있으며 인생에서 얻을 수있는 자연스러운 효과를 얻을 수 없습니다. 집에서 일할 때, 작가는 자신이 칠할 것 같은 모습을 미리 알고 있으며, 인생에서의 예기치 않은 일들이 일어나서 전체 그림을 크게 바꿀 수 있습니다.
모네는 자신의 기술과 방법을 발명하여 캔버스를 만드는 데 큰 도움이되었습니다. 많은 다른 화가들은 그의 조언을 사용했다. 사진을 쓰는 과정에서, 그는 항상 모든 외부인으로부터주의를 산만하게 만들려고 노력했습니다. 그는 이미지의 대상을 완전히 물었고, 인상을 받았을 때 그를 캔버스에 옮겼습니다. 인상은 그가 생각하는 주제에 대한 작가의 생각을 구체화 한 것입니다.
이 캔버스는 아름다운 홍채를 보여줍니다. 그들은 깊은 아름다움을 불러 일으키는 바다와 비슷합니다. 풍경은 완벽하게 결합되어 서로 합쳐지는 보라색과 파란색의 여러 가지 음영이 있습니다. 아티스트는 평소처럼 명확한 윤곽과 작은 세부 사항을 만들지 않습니다. 그림의 표현력은 만들어지는 커다란 체적 획에 의해 주어지며 Impasto 기술과 닮았다. 그런 뇌졸중으로 만든 홍채는 멋지고 상쾌합니다.
모네의 주된 임무는 묘사 된 사물의 경계가 선명하지 않고, 현재의 인상을 전달하는 것이 었습니다. 그림을 보면 몇 개의 꽃 만 자세히 표시되어 있음을 알 수 있습니다. 그의 작품에서, 꽃은 심연을 상징하며, 아름다움을 지켜 보는 모든 사람들을 매료시킵니다.
예술가는 항상 각 사진에서 신선한 조합으로 관객을 놀라게하는 색상 선택의 주인입니다. 그는 모든 그늘을 그 자신을 통해 지나치고, 모든 색깔을 느끼며, 모든 장점과 단점을 알고 있습니다. 이 모든 것이 그와 같은 놀라운 작품을 만드는 데 도움이됩니다. 모네는 특정 세부 사항에 집중하는 것을 좋아하지 않았고, 그는 전체 사진을 찍어야한다고 믿었습니다. 이것은 관객이 캔버스에 자신의 감정을 느낄 수 있도록 작가의 눈을 통해 세계의 각인 된 조각을 보는 데 도움이됩니다.
