클로드 모네 (Claude Monet)가 지금은 정원의 여성 (The Lady in the Garden)으로 알려진 그림을 그렸을 때 그는 이미 풍경화의 혁신가로서 자신을 옛날의 예술의 규칙과 조리법에 반항하면서 다시 선언했다고 선언했습니다. 작가는 본질적으로 글을 쓰는 것이 불충분하다고 생각하고 워크숍에서 그 그림을 그리기가 어렵다. 모네는보다 정확하고 직접적으로 보는 성격을 포착하기 위해 대담한 조치를 취하기로 결심했습니다. 그는 그림을 삶에서 직접 그리기 시작했거나, 말했듯이 야외에서 직접 그림을 그리기 시작했습니다.
자연의 이미지는 특별한 신선함과 구체성을 얻었습니다. 그러나 새로운 방법으로 인해 예기치 못한 결과가 발생하고 아티스트는 광범위한 결론을 이끌어 냈습니다. 모네는 끊임없이 변화하는 자연을 묘사 할 때 주된 임무는 햇빛을 전달하는 것이라는 것을 깨달았습니다. 그림에서 “정원의 여인”은 모네가 아침 시간을 선택합니다. 아침 시간은 뜨거운 오후보다 밝은 빛과 그림자가 더 명확하게 구분되는 반면 페인트는 밝기와 순결을 유지합니다.
기본 컨셉에 따라, 그것은 흑백 콘트라스트를 강조합니다 : 포플러의 어두운 벽, 햇빛이 가득한 스포트로 포화 된 – 꽃이 만발한 나무; 그것의 뒤에, 깊은 곳에서, 또 하나입니다; 왼쪽에는 파란 옷을 입은 젊은 여성의 모습이 있습니다. 조명 전송에 최대한의 효과를 얻으려고 모네는 물체 주위의 그림자를 두껍게 만듭니다. 그러나 자연을 신중하게 관찰하면서 작가는 그 그림자가 빛으로 가득 차 있음을 확인했다. 따라서 그의 풍경에서는 그늘진 곳의 어두운 검거와 가능한 경우 검은 색 페인트를 사용하지 않기 위해 노력합니다.
그림에서 “정원의 여인”은 아직 완전히 성공하지 못했습니다. 모네는 순수한 색으로 조명의 강도를 전달합니다. 그래서, 그는 밝은 주홍색으로 화단의 맑은면에 꽃을 춥고 klaplakom으로 차광 한 꽃에 씁니다. 동일한 원칙에 의해 잔디 그린을 구별합니다. 자연에 대한 면밀한 연구로 많은 수의 녹색 음영을 사용하게됩니다.
초기 그림 “The Lady in the Garden”에서는 빛과 그림자의 대조가 너무 직설적이며, 그림은 가혹한 곳에서 색이 다소 거칠지 만 단호 해지고 이것이 모든 후속 예술의 가장 중요한 특징이됩니다. 이 그림은 명확하고 엄격한 구성으로 구분되며, 자연스럽고 합리적으로 명확하게 구분됩니다. 퍼지 공간 구조는 모든 프랑스 풍경화의 전통과 함께 모네의 예술의 연속성을 나타냅니다. 동시에, 묘사 된 주제는 미묘한 시가 넘칩니다.
정확하고 정서적으로 포화 된 현실의 해석은 1860 년대 모네와 그의 동료 피사로, 시슬리, 르누아르에 의해 시작된 프랑스 인상주의의 필수적인 특징이되었습니다. 이 그림은 1930 년 모스크바의 뉴 웨스턴 예술 박물관 (State Museum of New Western Art)에서 Hermitage에 들어갔다.
