모나리자 또는 Gioconda – Leonardo Da Vinci

모나리자 또는 Gioconda   Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci “Mona Lisa”또는 “Gioconda”의 그림. 사진의 크기는 77x53cm, 나무, 기름입니다. 1503 년경, 레오나르도는 프란체스코 지오 콘도 (Francesco Giocondo)의 부자 인 피렌체 (Florence)의 부인 인 모나리자 (Mona Lisa)의 초상화에 대한 작업을 시작했습니다. “Gioconda”라는 이름으로 일반인들에게 알려진이 작품은 동시대 인들로부터 열정적 인 평가를 받았습니다.

회화의 명성은 너무 커서 나중에 전설이 형성되었습니다. 그녀는 거대한 문학에 전념했고, 대부분은 레오나르도 창조에 대한 객관적인 평가와는 거리가 멀다. 세계 예술의 몇 안되는 기념물 중 하나 인이 작품은 실제로 엄청난 매력적인 힘을 가지고 있음을 인정해야합니다. 그러나 그림의이 특징은 어떤 불가사의 한 시작이나 다른 유사한 제작의 구체화와 관련이 없지만 놀라운 예술적 깊이에서 태어났습니다.

Leonardo da Vinci “Mona Lisa”의 초상화 – 이것은 르네상스 초상화 미술의 발전을 향한 결정적인 단계입니다. Quattrocento의 아티스트들이이 장르의 많은 중요한 작품을 남겼지 만 초상화의 업적은 종교와 신화 주제에 대한 구성에서 주요 페인팅 장르의 성과에 불균형을 일으켰습니다. 초상 장르의 불평등은 초상 이미지의 바로 그 “도상학”에서 이미 드러났습니다. 15 세기의 실제 초상 작품은 논리적 인 유사성과 그들에 의해 방출 된 내부 힘의 느낌이 외부 및 내부 강성에 의해 구별되었습니다. 15 세기의 화가들의 성서적, 신화 적 이미지를 특징 짓는 풍부한 인간 감정과 경험은 일반적으로 초상 작품의 속성이 아닙니다. 이것의 메아리는 밀라노에서 그의 초기 몇 년 동안 만든 레오나르도 다빈치의 초기 초상화에서 볼 수 있습니다. 세실리아 갈레 아 라니 (Cecilia Gallearani), 사랑하는로도 비코 모로 (Lodovico Moro), 음악가 초상화를 묘사 한 “어둠의 여인의 초상”입니다.

그들과 비교해 볼 때, 모나리자의 초상은 거대한 질적 인 변화의 결과로 인식됩니다. 처음으로 그 초상화의 이미지는 다른 그림 장르의 가장 생생한 이미지와 동일한 수준에있게되었습니다. 모나리자 (Mona Lisa)는 풍경의 배경에 의자에 앉은 채로 앉은 채로 자리 잡고 있습니다. 이미 거대한 산에서 보듯이 마치 풍경과 매우 흡사 한 인물이 멀리서 보입니다. 풍경은 이미지에 특별한 우월함을 전합니다. 그림의 증가 된 플라스틱 성질과 대비되는 것과 그 안개 낀 풍경이있는 부드럽고 일반화 된 실루엣은 기괴한 벼랑과 물줄기가있는 풍경의 비젼과 비슷하게이 인상에 기여합니다. 그러나 무엇보다 모나리자 자신의 모습이 매력적입니다. 마치 보는 사람과 불가분의 관계를 맺고 마음과 뜻을 발산하는듯한 그녀의 독특한 모습과 거의 눈에 띄지 않는 미소,

인물의 지위의 힘에 의한 “모나리자”그림과 같은 인물의 세계 예술은 거의 없으며 인물과 지능의 통합으로 구현됩니다. 그것은 Quattrocento 초상화 이미지와 구별되는 Leonard 초상화의 놀라운 지적 책임입니다. 그의 특징은 여성의 초상과 관련이 있으며, 모델의 성격은 완전히 다른, 주로 서정적이며 비 유적 인 음조로 드러났습니다.

모나리자 그림에서 오는 권력감은 내부 평정과 개인의 자유 감각, 즉 자신의 중요성에 대한 의식에 기초한 사람의 영적 조화라는 유기적 인 결합입니다. 그리고 그녀의 미소 자체는 우월감이나 방치를 표현하지 않습니다. 그녀는 평온한 자신감과 완전한 자기 통제의 결과로 인식됩니다. 그러나 모나리자 그림은 합리적 시작뿐 아니라 그 이미지가 높은 시로 가득 차 있습니다. 우리는 애매한 미소와 뒤에서 펼쳐지는 반 환상적인 풍경의 신비함을 느낍니다. 동시대 인은 예술가에 의해 달성 된 초상화의 현저한 유사성 그리고 특별한 생명력을 경탄했다. 그러나 그 중요성은 훨씬 더 광범위하다 : 위대한 화가 인 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는 일반화의 정도, 그것을 르네상스 인의 이미지로 간주 할 수있다. 일반화 된 느낌은 회화의 모든 요소, 즉 모티브에 따라 – 모나리자의 머리와 어깨를 덮는 가벼운 투명한 베일이 신중하게 작성된 머리카락과 드레스의 작은 주름을 일반적인 부드러운 윤곽으로 결합하는 방식으로 반영됩니다. 이 느낌은 얼굴의 스타일링과 부드럽고 매끄러운 손과 비교할 수 없습니다. 이 모델링은 Vasari가 모나리자의 목이 깊어지면서 맥박이 뛰는 속도감이 느껴지는 활발한 신체력에 대한 강한 인상을 불러 일으 킵니다. 신중하게 그린 머리카락과 드레스의 작은 주름을 일반적인 부드러운 윤곽으로 결합합니다. 이 느낌은 얼굴의 스타일링과 부드럽고 매끄러운 손과 비교할 수 없습니다. 이 모델링은 Vasari가 모나리자의 목이 깊어지면서 맥박이 뛰는 속도감이 느껴지는 활발한 신체력에 대한 강한 인상을 불러 일으 킵니다. 신중하게 그린 머리카락과 드레스의 작은 주름을 일반적인 부드러운 윤곽으로 결합합니다. 이 느낌은 얼굴의 스타일링과 부드럽고 매끄러운 손과 비교할 수 없습니다. 이 모델링은 Vasari가 모나리자의 목이 깊어지면서 맥박이 뛰는 속도감이 느껴지는 활발한 신체력에 대한 강한 인상을 불러 일으 킵니다.

그러한 미묘한 플라스틱 뉘앙스의 수단 중 하나는 특징적인 Leonard의 “Sfumato”였습니다. 얼굴과 인물을 감추고 윤곽과 그림자를 부드럽게하는 미묘한 연무였습니다. 레오나르도 다 빈치 (Leonardo da Vinci)는이 목적을 위해 광원과 신체 사이에 “안개의 종류”를 두는 것이 좋습니다. Cut-off 모델링의 우위는 그것의 하위 그림의 채색에서도 느껴진다. Leonardo da Vinci의 많은 작품과 마찬가지로이 그림은 때때로 어두워지고 색채 비율은 다소 바뀌었지만 카네이션과 옷감의 색상과 푸른 녹색의 “수중”색조와의 전반적인 대비가 명확하게 비교되었습니다.

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